Dans cette « presque » rétrospective qu’a choisie de présenter Brigitte Aubignac au musée Paul Valéry de Sète, l’artiste nous donne l’occasion de découvrir un nombre important d’œuvres qui souligne l’étendue de son travail. Ce panorama à travers plus de vingt ans de peinture, de 2003 à 2024, permet de juger de l’ampleur de son talent, qu’elle développe inlassablement depuis ses premières toiles qu’elle réalisa à la fin des années 1980. Nous ne remonterons pas si loin dans son aventure picturale, même si les premiers tableaux contenaient déjà cette forme si sensible et si intime caractéristique de son œuvre et affirmaient déjà sa volonté de peindre, toujours à l’huile, malgré les réticences d’une époque qui lui était contraire. Ce fut un long et patient cheminement pour rencontrer enfin des jours nouveaux plus enclins à la découverte de son travail. Son parcours s’insère donc dans le temps de la longue durée, alors que dans les œuvres elles-mêmes la peinture nous dit mille choses de son éternité, de la continuité de son message, et de la possibilité d’établir un lien qui unit le passé au présent dans une réappropriation de l’Histoire. Sans volonté de rupture, le travail de Brigitte Aubignac témoigne d’une contemporanéité en prise avec le réel, dans l’imaginaire de la représentation, mais aussi dans la réalité de l’être et l’évidence d’une présence ou d’une action. L’artiste élabore sa recherche patiemment et la transcrit dans une expression picturale à la fois forte, sensible, introspective, mais aussi impertinente et ironique, nous dévoilant des visages, des regards et des corps révélateurs de leurs émotions, de leurs doutes, de leur douleur et de leur joie, avec la délicatesse caractéristique de certaines des figures féminines qui habitent ses tableaux, mais aussi avec la détermination de l’Homme qui marche de Giacometti, cité à plusieurs reprises dans les dernières réalisations, ou encore avec la violence et l’angoisse que l’on ressent dans certains des portraits ici exposés, tel Le Cri.

 

L’artiste cultive donc l’émotion comme moteur des sujets qu’elle développe, une émotion réelle, vécue, suggérée à travers l’expression d’une vitalité contrastée et complexe retranscrite, sans complaisance, au-delà d’une volonté de séduction, mais dans la réalité révélée des apparences. Souvent des visages, mais aussi des personnages imaginaires ou réels renvoyant à l’intimité de l’être humain, nous poussant à réfléchir, créant de l’amusement, de l’introspection et parfois un certain désordre émotionnel. Elle nous offre ainsi des galeries de portraits et de personnages qu’elle décline au fil du temps selon des thématiques qu’elle appelle « séries » dont le déroulement s’articule en moments successifs, en séquences qui ne sont jamais des ruptures mais seulement des passages tant les tableaux dans leur ensemble conservent leur homogénéité. L’exposition propose donc des œuvres appartenant successivement à la série des Portraits Anonymes (2003-2004), puis à celle intitulée Les Garçons (2005-2008). Dans la chronologie du parcours de l’artiste vient ensuite la série Les Faunes, fresque qui tel un conte légendaire effleure les confins d’une mythologie empreinte de valeurs éternelles, mais reprenant aussi des sujets vraiment actuels. Cet ensemble d’œuvres occupe une large période de sa production (2006-2018). Il donna lieu à une présentation exclusive en 2018, à la galerie Pierre-Alain Challier à Paris. De ce fait, dans l’exposition, Brigitte Aubignac a choisi de ne représenter cette thématique que par le seul triptyque : Le Faune à
la bassine. Représentatif des êtres hybrides de la série des faunes il introduit cependant parfaitement, par son caractère intime, la série Les Maquillages (2014-2015) et celle intitulée Les Insomnies (2009‑2024). Dans la suite de ce cheminement, est né depuis 2022 le cycle de peintures Statues etc. Cet ensemble de tableaux et de gouaches (ne sont présentes dans l’exposition que les huiles sur toile) relie une conception d’un présent imaginaire aux temps lointains d’une histoire de l’art que l’artiste parcourt librement par le biais d’une confrontation plus plastique qu’émotionnelle, faisant la part belle aux citations et contribuant de ce fait à « donner un regard en miroir sur la multiplicité et la richesse de nos cultures » dit l’artiste, comme un contrepoint à l’avalanche des images d’aujourd’hui.

 

La figure occupe une part déterminante dans l’œuvre de Brigitte Aubignac et toutes les séries, à l’exclusion de Statues etc., s’attache à l’humanité des sujets représentés dans leur simplicité, dans leur quotidienneté, comme surpris par un arrêt sur image, révélateur de la vivacité des expressions et témoin d’un instant dérobé. Pour accentuer cette impression fugace de l’action, dans la suite de Portraits Anonymes, les personnages sont caractérisés par un attribut ou une fonction, l’une exhibe avec désinvolture son soutien-gorge (Le Soutien-gorge1), l’autre clame haut et fort sa colère (La Militante). L’artiste présente ainsi une galerie de personnalités originales, symboles d’une manière d’être, d’une forme d’existence à la fois réelle et fictive. Elle nous entraîne dans un récit dont on pourrait écrire, comme dans les génériques de film « que ceci n’a aucun rapport avec des faits réels et toute ressemblance avec des personnages existants est fortuite »… Quelques doutes nous habitent cependant, à propos de cet anonymat, car Brigitte Aubignac nourrit son travail d’impressions, de sensations, de sentiments et de détails recueillis à même la vie. Ces portraits et figures interpellent donc, car ils représentent la mise en scène de faits et d’événements minimes mais essentiels, propres à susciter la curiosité et à attirer l’œil du visiteur féru d’anecdotes et d’intrigues, capables d’activer son imagination et de nourrir son propre ressenti. La verve de ces Portraits Anonymes se retrouve, un peu plus tard vers 2019-2020 dans des Selfies, prises de vue sur le vif, restituant l’instant fugace.

 

Cette même aptitude à restituer le vécu se retrouve dans la série Les Garçons, peut-être un peu moins anonyme que la précédente, car probablement inspirée par son fils, alors adolescent, présent dans son quotidien durant la période où elle exécuta cet ensemble de petits tableaux. L’inspiration y est plus intimiste, plus familière et s’anime dans des descriptions de scènes intérieures qui servent d’écrin à un personnage central, toujours un garçon, dont les caractéristiques et les attitudes soulignent la jeunesse, ou la maturité quelquefois, mais aussi l’humeur : désinvolture, préoccupation, indifférence, joie… Ce sont des portraits d’attitudes construits dans des environnements qui concentrent la présence du modèle dans un décor réaliste mais sommaire. L’artiste y travaille le détail des corps, des vêtements et de l’espace selon une technique picturale qui souligne l’actualité du moment, tout en adoptant des techniques traditionnelles de construction de l’image dans le respect des perspectives classiques et de la précision des formes. Dans ces petites œuvres, l’évocation d’espaces à peine esquissés se dilue dans une liberté d’exécution rapide, sensible et suggestive. À l’intérieur des lieux, juste ébauchés, chaque personnage vit de son existence propre, définie par une action, une attitude, un objet, un cadre presque anecdotique s’inscrivant dans une scène de la vie ordinaire, suggérant une humanité tellement similaire à la nôtre, mais aussi tellement universelle.

 

L’émotion vive et touchante s’exprime encore davantage dans la série des Maquillages. Suite de petits tableaux, en gros plans, saisissants d’expressivité, qui dans toutes les nuances de blanc, de crème et de rose, révèlent un instant exclusif de la toilette des femmes. Ce moment où les visages grimacent et se contorsionnent afin d’atteindre à la perfection de l’image tant souhaitée. Nous ne sommes pas éloignés d’une représentation archétypale dans ces figures féminines, occupées à leur maquillage, même si, dans nombres des portraits, nous pouvons reconnaître l’auteur qui nous livre ici des moments réservés et personnels. Certains autoportraits, donc, et d’autres visages aussi spontanés, expressifs et tellement vibrants se métamorphosent dans le miroir au moment de la toilette. La thématique est singulière mais nous rappelle que la femme à sa toilette fut un sujet récurrent dans l’histoire de la peinture. De Titien à Bonnard en passant par Renoir, Berthe Morisot ou Degas et tant d’autres, les artistes ont longtemps peint cet instant secret, presque impudique. Chez Brigitte Aubignac, le temps de l’intime fait ici l’objet de variations, comme en musique, capables de traduire en ombre et lumière la vérité des êtres avec une désinvolture quelquefois pleine d’humour mais aussi si sérieuse ! Moments d’éternité dans le transitoire de l’instant dirait Baudelaire. Les camaïeux de beiges rosés restituent la carnation rehaussée par le contraste d’un regard sombre ou par le souligné rouge des lèvres. Les yeux écarquillés, la bouche entrouverte, les joues caressées par le blush s’offrent à la main experte qui procède à la métamorphose. L’action se double d’une composition en diptyque accentuant le caractère presque caricatural d’un moment de tension visant à la perfection souhaitée. « Peu importe que la ruse et l’artifice soient connus de tous, écrivait Baudelaire, si le succès en est certain et l’effet toujours irrésistible2 . » Le regard du spectateur absent invente la psyché virtuelle dans laquelle se reflète le visage. L’illusion est totale et nous rappelle le goût de l’artiste pour l’anecdote et son attachement aux scènes de la vie ordinaire. Puis, selon ce même récit, exercé à retranscrire des moments particuliers de l’existence, Brigitte Aubignac peint Les Insomnies qui montrent une femme que le sommeil fuit. Elle affronte son exaspération et par de vaines tentatives de diversions, elle s’efforce de trouver le repos. Ici un canapé supporte sa fatigue, elle s’y affale et s’abandonne, là des coussins soutiennent son ennui. Autant d’attitudes lasses et déprimées viennent suggérer bien des nuits blanches qu’aurait connues l’artiste et dont elle partage avec nous des impressions de solitude et de détresse. Le sujet s’avère insolite, loin des innombrables dormeuses de l’histoire de l’art, ces insomniaques interpellent par leur originalité et leur réalisme. Le thème est audacieux et l’artiste y répond avec sa verve picturale apte à décrire mille états d’âme, avec le soutien d’une palette de couleurs souvent vives qui adoucit la noirceur d’instants douloureux. Mais la difficulté d’être la poursuit et l’on reconnaîtra dans quelques petites œuvres des années 2016-2018 une série d’autoportraits sombres dans lesquels la tension s’exprime dans un registre dominé par les noirs et parmi lesquelles l’œuvre Le Cri est la plus significative. Une femme bâillonnée tente de hurler son désespoir, son impuissance, son angoisse et sa rage. Un morceau de papier blanc enfoncé dans la bouche la réduit au silence et son regard intense et désespéré nous lance un appel au secours. La peintre se représente ici dans un autoportrait saisissant, témoignage de ses propres peurs et de son propre enfermement causés, peut-être, par l’isolement et la solitude contrainte de l’artiste longtemps écartée des circuits officiels, parce que femme et parce que peintre. Au-delà d’une problématique personnelle, ce Cri signifie aussi, que toujours aujourd’hui et bien que les temps aient comblé de nombreuses lacunes, la condition de la femme – de certaines femmes – reste conflictuelle, inégalitaire et parfois aussi terriblement dangereuse.

 

Mais les temps changent et durant les trois dernières années, nourrie d’une inspiration nouvelle, s’est imposée la série Statues etc.. Il s’agit ici d’un ensemble de tableaux, dont tous mettent en scène des sculptures ; accumulation fictive de statues qui appartiennent à l’histoire de l’art et que l’artiste intègre dans des compositions hétéroclites où se côtoient les civilisations, les époques, dans un joyeux bazar qui ressemble à un musée imaginaire fort mal rangé. Ce savant désordre ne privilégie aucune hiérarchie, aucun style, ni ne se réfère à aucune époque particulière. Il constitue une vision animée, contradictoire et intemporelle d’une histoire de l’art re-visitée. Une Danseuse de Degas côtoie une sculpture de Giacometti, l’Araignée Maman de Louise Bourgeois épouvante les Trois Grâces de Pradier, la statuaire africaine rencontre l’esprit de la Renaissance… L’artiste rivalise d’habileté dans les partitions de ce concert baroque fait de juxtapositions improbables, mais toujours harmonieuses. Elle suggère que « c’est une cour des miracles, ou de récréation pour statues où dialogueraient de façon fortuite des œuvres d’époques d’origines différentes, assemblées par goût et affinité ou par simple jeu formel. » La touche picturale est affirmée et les couleurs acides, souvent des jaunes et des verts construisent un hymne joyeux à l’art de tous les temps.

 

Brigitte Aubignac, en toutes circonstances, affirme son attachement à la longue histoire de la peinture, mais n’omet jamais de nous signifier que son travail est actuel et s’inscrit dans un mouvement qui, au-delà des apparences, dépasse les images, dont les flux incessants défilent sur nos écrans. Ses œuvres se distillent en une sensation lente et sensible, à la fois pénétrante et mystérieuse, et transmettent au plus profond de l’être des énergies impalpables et indicibles. Elles se révèlent et nous émeuvent, c’est en cela que réside le mystère de ses tableaux.